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jueves, 31 de marzo de 2011

EXTRA: Teatro > Tuttobenigni 95-96


Tuttobenigni 95/96 è uno spettacolo teatrale del 1995 scritto, diretto e interpretato da Roberto Benigni, con la supervisione di Vincenzo Cerami e le musiche di Nicola Piovani.
Si tratta di un monologo, con battute incentrate sulla satira politica. Partendo dall'annuncio della costituzione di un nuovo partito politico (il "partito del Pinzimonio"), Benigni prosegue passando dalla riforma della legge elettorale a quella dei Dieci Comandamenti finché, diventato Dio, proclama il suo Giudizio Universale nel quale vengono chiamati in causa i principali personaggi politici del tempo. Oltre alle molteplici citazioni dedicate a Silvio Berlusconi, a cominciare dalla "discesa in campo" con la quale venne fondata Forza Italia, si segnalano numerosi passaggi dedicati a Giuliano Ferrara. Fra le canzoni interpretate, Quando penso a Berlusconi, Quanto t'ho amato e È tutto mio.
Quando penso a Berlusconi
Benigni dopo aver scherzato con alcune battute su alcuni politici come Giuliano Ferrara (andando in paradiso occupa lo spazio occupato da tutti i cinesi), Berlusconi (anche lui in paradiso; alla asserzione fatta da Dio: "Io sono Colui che È" risponde "Io sono colui che HA", e canta la canzone È tutto mio) ed altri inizia a cantare "Quando penso a Berlusconi".

La canzone di Benigni, Cerami e Piovani ha il seguente ritornello:
Ma poi penso a Berlusconi
e mi si sgonfiano i coglioni.
Mi si sgonfiano le palle
non so più dove cercarle.
[...]
Quando penso a Berlusconi il testicolo si ammoscia
mi si appoggia sulla coscia,
mi va tutto alla rovescia.
Il morale mi si sfascia,
non mi scappa più la piscia,
tutto il corpo mi s'affloscia
ogni cosa mi va giù
e non si rizza più.
Non mi si rizza più
http://it.wikipedia.org/wiki/Tuttobenigni_95/96

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Subtítulos: No

Riso amaro - Guiseppe de Santis (1949)

TÍTULO Riso amaro
AÑO 1949
IDIOMA Italiano
SUBTITULOS Español (Separados)
DURACIÓN 108 min.
DIRECTOR Giuseppe de Santis
GUIÓN Carlo Lizzani, Gianni Puccini, Giuseppe de Santis
MÚSICA Goffredo Petrassi
FOTOGRAFÍA Otello Martelli (B&W)
REPARTO Silvana Mangano, Vittorio Gassman, Doris Dowling, Raf Vallone, Checco Rissone
PRODUCTORA Lux Film
PREMIOS
1950: Nominada al Oscar: Mejor historia
GÉNERO Drama | Neorrealismo

SINOPSIS Perseguida por la policía, la cómplice de un ladrón se une a un grupo de jornaleras que se dirigen a las plantaciones de arroz del valle del Po. Una vez allí, se reúne con ella su amante que proyecta apoderarse, con la ayuda de unos amigos, de la cosecha. (FILMAFFINITY)

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Una pequeña biografía sobre el director y un artículo sobre la película:

Giussepe De Santis: Nacido en Fondi, el 11 de febrero de 1917, estudió cine en el Centro Sperimentale de Roma antes de colaborar en la revista Cinema, compuesta por un grupo de intelectuales de izquierda que poco después desempeñarían un papel determinante en la creación y evolución del neorrealismo.
Su credo era el retorno a la realidad -en oposición al cine sofisticado de la era fascista, bautizado irónicamente como "del teléfono blanco" -y la aparición en las pantallas de las clases trabajadoras.
En 1942 , De Santis colabora con Luchino Visconti en la redacción del guión de Ossessione (considerada la primera película neorrealista), y, al año siguiente, con Roberto Rossellini, en Scalo Merci. Después de la guerra, en 1947, realiza su primera película, Caza trágica, en la que denuncia el desempleo y el mercado negro.
“Salíamos de la guerra y creíamos que, después de los combates, la injusticia social podría desaparecer. De ahí ese cine humanista que iba a ser el mío", explicaba el realizador, que tuvo en Arroz Amargo su película más famosa.
En 1949 filma la obra más célebre de su filmografía, Arroz Amargo, un éxito internacional que debe mucho a la conmovedora sensualidad de una joven actriz entonces desconocida, Silvana Mangano. De Santis, que estaba buscando a la heroína de su filme, la encontró en una calle de Roma mientras caminaba bajo la lluvia, con una rosa en la mano.
" Una tarde de 1947, mientras esperaba un tren en la estación de Milán, reparé en un grupo de muchachas que se iban a trabajar en los arrozales de las llanuras del río Po. Hablé largamente con ellas, de sus desdichas, de sus sueños, de sus esperanzas... Al punto de perder el tren. Pero había nacido el guión del filme", contaba De Santis.
Con Caccia tragica tiene en común el hecho de volver a proponer una doble problemática: una, el descubrimiento de la realidad moderna a la luz de la lucha entre los grupos sociales, no sólo como choque de intereses materiales, sino como choque de sentimientos, psicologías y niveles culturales; la otra, la elaboración de un lenguaje cinematográfico popular, «espectacular», en el sentido que este término tuvo, de manera diversa, para el Pudovkin de La Madre o para el Ford de La diligencia, capaz de traducirse en un estilo que no limita los problemas de la expresión a los del montaje o a los puros valores visuales, sino que se sirve, sin prejuicios, de los elementos literarios, teatrales, melodramáticos, folklóricos, musicales. Y digo esto en un sentido absolutamente positivo.
En Riso amaro esta problemática aparece deslucida por el hecho de que, aun permaneciendo inmutables las exigencias de la búsqueda formal, lo típico del tema era de bastante menor relieve y la introducción en la narración de una especie de refuerzo de aventuras (los ladrones en el arrozal) se alejaba demasiado del genuino interés poético del autor (el trabajo y la vida de las jornaleras).
En 1950, Riso Amaro fue nominada al oscar al mejor argumento de Giussepe de Santis y Carlo Lizzani.


NOTAS AGREGADAS SOBRE RISO AMARO (ARROZ AMARGO)

“El momento crucial de nuestro cine” escribió a De Santis, “puede ser el haber creado no tanto las 10 o 15 películas de Visconti, de De Sica o de Rossellini, sino la película popular…” Este género trató muchos temas tales como el amor, la muerte, la violencia, el aborto, la violación, el adulterio, etc. Las mujeres eran presentadas como víctimas de la supremacía y la explotación masculina, los prejuicios y el falso sentido del honor. Al final de la película, todo quedaba solucionado. El “fotoromanzo” fue el medio más poderoso para llegar a mujeres entre los 15-25 años, para llegar a la mayor parte de las mujeres sin habilidades y sin educación, que eran quienes podía relacionarse con las historias y los valores establecidos por los varones: una clase “de estilo italiano de las esposas de Stepford” menos el glitz y el encanto. El amor conquistaba todo y sobrepasaba las barreras de clase social. Aunque la conformidad fue empleada para solucionar todos los problemas, también fomentó la necesidad de soñar. Todo esto es lo que experimentaron los italianos bajo el fascismo donde, además, las realidades socio-politicas fueron reducidas al mínimo. De Santis ve esto como una amenaza para los valores verdaderos y la simplicidad de la vida italiana rural (las “provincias”). Desde esta perspectiva, la Americanización (imperialismo cultural) fue considerada como quebrantadora de la solidaridad de clase.
Riso Amaro no hace propaganda; captura la atmósfera cultural de una sociedad en transición, una sensibilidad de una lucha de la sociedad por una nueva identidad.
Explotación:
La explotación de Walter sobre las mujeres refleja la explotación general de las mujeres en la película. El Melodrama se funde con la dimensión sociopolítica de la película. Ya se ha visto a Walter en el papel de cobarde, de parásito, usando a Francesca para ocultarse del policía. Se alcanza el epitome cuando, en el matadero, busca la protección detrás de la carne de vaca, haciendo de esa manera el símil con la mujer. Pero Walter no es el único parásito en la película. Los otros varones son como buitres en la granja de arroz, recogiendo el 10% de la producción clandestina. Los capataces valoran también la producción del arroz sobre el factor humano. Los verdaderos jefes nunca se ven, pero se encuentran en el extremo de la cadena parásita, señalando de nuevo la distancia entre los trabajadores y los mandamases.
Importancia de la puesta en escena:
El escenario de fondo ha satisfecho la función documental, así como la melodramática y también la simbólica. Con las plantaciones, las cosechas, las renovaciones y las conclusiones, los ciclos naturales se ligan de manera inseparable a los ciclos humanos (el bebé de Gabriella se pierde, de la misma manera que los campos del arroz habrían corrido la misma suerte de haberse inundado). El Melodrama se funde una vez más con el nivel realista de la película. La muerte de Silvana abre la posibilidad del renacimiento de Francesca. En un nivel político, su muerte sirve para redimir y para regenerar a la colectividad de trabajadoras. Ella muere porque ha profanado los valores de la colectividad. Su muerte aparece como otro símbolo, como el sacrificio realizado en un ritual primitivo por la cosecha. Su sacrificio es aceptado al final, cuando de alguna manera, recibe su parte de arroz de las trabajadoras, que la perdonan derramando su arroz sobre ella. Lo que resalta en la conclusión no es el melodrama o el realismo documental, sino un nuevo realismo social incorporado por Marco y Francesca, los nuevos héroes populares. Incluso la cámara fotográfica sirve para realzar su nueva resolución en contra de la explotación y la injusticia. El final, un largo plano desde la grúa que va desde el cuerpo de Silvana a las “mondini” (1) y finalmente queda sobre la pareja.
La solidaridad se debe alcanzar con el sacrificio de la individualidad y de su melodrama. Las “mondini” continuarán su servidumbre el año próximo, pero esta vez armadas con las verdades aprendidas esta estación, alimentando la esperanza que su sufrimiento puede ayudarlos a progresar hacia la justicia y la reforma.

(1) Mondini: en Italia, hasta los años 50, el cultivo del arroz dependía, en su mayor parte, del trabajo de las mujeres. Ellas se pasaban jornadas enteras limpiando los arrozales de las malezas (esta operación se llamaba 'monda', escarda), de ahí el nombre 'Mondine', escardadoras. Todavía, en muchos países, las mujeres tienen la tarea de ocuparse de la siembra, de la cosecha y de los procesos de conservación de las semillas.

miércoles, 30 de marzo de 2011

Il diavolo - Gian Luigi Polidoro (1963)


TÍTULO Il diavolo
AÑO 1963 
SUBTITULOS Si (Separados)
DURACIÓN 103 min.
DIRECTOR Gian Luigi Polidoro
GUIÓN Rodolfo Sonego
MÚSICA Piero Piccioni
FOTOGRAFÍA Aldo Tonti (B&W)
REPARTO Alberto Sordi, Bernhard Tarschys, Inger Sjostrand, Ulfe Palme, Ulla Smidje, Gunoild Gustavson, Barbo Wastenson, Gunilla Elm-Tornkvist, Lauritz Falk, Anne-Charlotte, Monica Waterson, Ulla Andersson, Inger Auer, Catherina Norden-Falk 
PRODUCTORA Dino de Laurentiis Cinematografica
PREMIOS 1963: Berlín: Oso de Oro
1964: Globo de oro a mejor actor en comedia o musical (Alberto Sordi)
GÉNERO Comedia

SINOPSIS Alberto Sordi se convierte en esta comedia en Amadeo Ferretti, un hombre de negocios italiano que viaja a Suecia por tema de negocios. Sin embargo Amadeo no cree que todo sean negocios en el país, pues las suculentas rubias que por allí se encuentran despiertan en Amadeo todo tipo de fantasías. (FILMAFFINITY)

Enlaces de descarga (Cortados con HJ Split)
 
Subtítulos (Español) (Gentileza Vozidar)
http://www.4shared.com/office/Xef-y1R-/ID-GLP__1963_.html?
 
A vederlo adesso, questo film, ci si meraviglia un po’ se pensiamo a tutti i premi che ha ricevuto. Sordi riceve il globo d’oro negli Stati Uniti, l’orso d’oro a Berlino, forse grazie all’interpretazione degna di un grande a attore, ma in uno svolgersi filmico di una lentezza evidente. Anche se io considero questo film quasi un documentario sul carattere delle donne svedesi, non posso non dire di aver sbadigliato ogni tanto, in particolare durante i dialoghi. Può darsi che questo incitamento allo sbadiglio sia in certo senso voluto dallo stesso regista allo scopo di sottolineare lo stile piuttosto insignificante e gelido delle donne di Svezia. Quindi la storia è mirata a smontare il mito dell’epoca che ritraeva la donna svedese facile da conquistare, pazza dell’uomo italiano, particolarmente portata per l’avventura erotica. Alberto Sordi, nel personaggio di Amedeo commerciante di pellami, raggiunge in treno la Svezia e laggiù inizia a intraprendere frivole amicizie con le donne del posto dalle quali coglie soltanto il loro spirito libertino, senza avventurarsi in niente di più che qualche tenero bacetto.

Recitava così la guida turistica che Amedeo aveva letto prima di partire: “Le ragazze non ti chiederanno chi sei, quanti anni hai, se hai moglie o figli, non ti faranno sciocche domande, una di loro ti prenderà per mano, ti porterà nella sua stanza…”, ma sul finale del film, durante il suo ritorno in Italia, Amedeo capisce però che, per le donne svedesi, l’uomo italiano è il diavolo e loro sono gli angeli.
Stefano Terraglia
http://www.steter.it/testo.php?id=82

martes, 29 de marzo de 2011

Pasqualino Settebellezze - Lina Wertmüller (1975)


TÍTULO Pasqualino Settebellezze
AÑO 1975 
IDIOMA Italiano
SUBTITULOS Español (Incorporados)
DURACIÓN 115 min.
DIRECTOR Lina Wertmüller
GUIÓN Lina Wertmüller
MÚSICA Enzo Jannacci
FOTOGRAFÍA Tonino Delli Colli
REPARTO Giancarlo Giannini, Fernando Rey, Shirley Stoler, Elena Fiore, Piero Di lorio, Enzo Vitale, Roberto Herlitzka, Lucio Amelio, Ermelinda De Felice, Bianca D'Origlia, Francesca Marciano, Mario Conti, Aristide Caporale
PRODUCTORA Medusa Produzione
PREMIOS
 1976: 4 nominaciones Oscar: Película extranjera, actor (Giannini), director, guión original
GÉNERO Comedia. Drama. Bélico | Nazismo. II Guerra Mundial. Años 30. Mafia

SINOPSIS En Nápoles, en los años 30, el taimado y oportunista Pasqualino intenta por todos los medios hacer carrera en la camorra, para alcanzar una posición de relieve dentro de su clan. Irónicamente apodado “Settebellezze” (siete bellezas), por sus hermanas tan feas, este pendenciero quiere rescatar su propio honor amenazando al hombre que ha obligado a prostituirse a una de ellas... (FILMAFFINITY)

 Enlaces de descarga (Cortados con HJ Split)

Pasqualino, víctima y verdugo en tiempos de odio y sinrazón.
Siempre lúcida y desencantada, la irreverente Lina Wertmüller saldó cuentas con la propia maldad inherente al ser humano realizando una de las aproximaciones más terribles e inteligentes a ese vergonzoso pedazo de historia que fue el nazismo. Lo hizo siguiendo los pasos de Pasqualino (Giannini, en una de las mejores interpretaciones de todos los tiempos), seductor de poca monta y fiel defensor de rancios y caducos valores (nobleza, decoro), los que pretende atribuir a su propia prole: madre y siete hermanas. Así empieza, como descripción en flashback sardónica y pintoresca. Pero en el transcurso de la película esta irá mudando de piel sucesivamente, abriéndose a nuevas (y cada vez más tristes) lecturas.
Lo que en un principio apunta a una farsa burda y tronchante de tintes negros y policíacos (a medio camino entre el western revisitado en clave irónica -el decadente duelo en el prostíbulo- y el más puro Fellini -esas carnales y lujuriosas hermanas), se torna después en drama desolador. Afortunadamente la risa amarga no llega a desaparecer del todo; la comedia sirve como perfecto cauce a través del cual describir al protagonista, patético y tierno a la vez, con sus (escasas) virtudes y sus (muchos) defectos, algo así como la perfecta representación de una Italia fascista encharcada en sus propias ansias de poder y grandeza, a la que la Wertmüller pone en su sitio en un diálogo memorable. Luego todo se tuerce, los ángulos humorísticos se irán matizando conforme avance la peripecia de Pasqualino, hasta desembocar en un tramo final en el que ya se ha sobrepasado la línea y no hay vuelta atrás: cualquier apunte cómico queda fuera de lugar, sólo hay sitio para la lágrima y el dolor.
El talento de Wertmüller no sólo reside en su asombrosa capacidad para aunar comedia y drama, llegando incluso a hacer humor con un hombre ahorcado al fondo del plano (y sin recurrir a zafios sentimentalismos: ¡aprende, Benigni!), sino en crear metáforas perfectas para ilustrar el progresivo deterioro moral al que se expone el ser humano en su último afán por sobrevivir. No hay duda: la película es cristalina y demoledora, terrible en su diagnóstico y durísima en su exposición. Como no podía ser de otra forma, las palabras de Hobbes vuelven a mostrarse verdaderas y el sentimiento que queda es el de la rabia y la impotencia que nos atenazan cuando se impone sin remedio y ante nuestros ojos la locura colectiva más destructiva y terrorífica que se pueda imaginar. No por nada la película comienza con un poema recitado en tono grave, mientras de fondo se suceden imágenes de caos, destrucción, muerte y desolación que preludian el claro devenir de nuestros días, ligados a un futuro opaco y desesperanzador: un futuro en el que la gente se mata por una simple manzana.
La película fue candidata a los Premios Óscar en las categorías de Mejor actor, Mejor dirección, Mejor película extranjera y Mejor guión original.

Come si può, attraverso la fiction di un lungometraggio, raccontare l’orrore? Come si fa ad intrappolare una tragedia come l’Olocausto in un contesto “altro” come la rappresentazione cinematografica? Anche la scelta documentaristica, massima espressione di adesione alla realtà ed alla storicità dei fatti, non riesce però a vanificare la distanza spazio/temporale tra l’accadimento e la narrazione dell’accadimento stesso. Si può appunto provare a raccontare, si può tentare di testimoniare ciò che è stato: Steven Spielberg, con Schindler’s List, è stato probabilmente l’autore che in questo senso ha partecipato più di tutti alla tensione verso la narrazione - simpatetica, non c’è dubbio - di un processo storico/sociale di così inaudita incomprensibilità. Il suo lungometraggio è probabilmente l’espressione più alta di come il cinema possa avvicinarsi e provare a raccontare ciò che è successo, nella maniera più fedele e sincera possibile consentita ad un mezzo che è sempre comunque finzione, e che perciò non sarà mai testimone assoluto dei fatti, in qualsiasi forma esso si presenti.
Per questo forse, invece di raccontare ciò che a nostro avviso non può essere raccontato, proprio a causa dell’essenza stessa del mezzo/cinema, che altro non può fare se non mettere in scena anche la realtà più oggettiva, forse più che raccontare appunto sarebbe opportuno il tentativo di interpretare: scegliere una chiave di lettura, un fulcro attraverso il quale provare a mostrare un possibile significato (si badi bene, “un”, non “il”) di quello che è stato l’orrore dei campi di concentramento. E quale lente può essere più appropriata per affrontare una tale aberrazione se non quella del grottesco? Lina Wertmüller con Pasqualino Settebellezze compie l’inaudito esperimento di mettere in mostra il delirio, il caos, e di restituirne allo spettatore non una forma organizzata e realistica, ma tutta la forza barocca e cupa di un inferno dantesco. Il percorso che l’autrice sceglie è quello di un misero e sfigatello guappo napoletano, che per assecondare il proprio istintivo desiderio di vita affronta e sguscia tra tutte le peripezie possibili, fino ad arrivare all’inferno dei lager: dunque farsa, pochade, lazzo comico alla Pulcinella, e poi ospedali psichiatrici, prigioni, infine campi di sterminio. Il mezzo attraverso cui il grottesco riesce meglio ad esprimersi è senza dubbio il contrasto, l’accostamento di due espressioni contrarie dal cui stridore viene generata energia propulsiva. Questo è Pasqualino Settebellezze: una farsa atellana attraverso cui si presentano dolore ed orrore, non comprensibili a livello razionale e quindi “altri”; in questo caso, non si può non procedere per accumulo spropositato di informazioni e dettagli, fino a raggiungere l’overdose sensoriale che porta alla deformazione. Perciò il film è un susseguirsi di colori forti, suoni roboanti, luci sparate, il tutto mescolato con grandiosa vena barocca dalla Wertmüller, che mette in scena uno spettacolo tanto prezioso quanto efficacemente stordente: dai siparietti napoletani ai dormitori dei prigionieri, ogni immagine è carica di una pregnanza visiva di straordinaria efficacia e di assoluta coerenza, quasi impossibile da tirar fuori in una così eterogenea composizione di luoghi e storie. Eppure il miracolo accade, ed il film si regge su una sceneggiatura capace di sbizzarrirsi in ogni direzione eppure di mantenere una solidità narrativa ammirevole. Anche i personaggi, ognuno specchio di una metafora assolutamente esplicita, contribuiscono a questo gioco di sovraccarico che porta ad una comprensione diversa da quella razionale, più interna e viscerale. Pasqualino Settebellezze è un film che arriva alla testa dello spettatore adoperando la strada impervia del riso più cupo, di quello di cui qualche volta ci si vergogna. La resa grottesca del delirio organizzato è resa al suo massimo potenziale nella folgorante scena dell’amplesso tra lo smagrito Pasqualino e l’opulenta aguzzina tedesca, che costringe il prigioniero all’atto sessuale a prezzo della vita. Dopo, quando questa struggente ed insieme ridanciana tragedia visiva si sarà consumata, le parole della matrona saranno perentorie: “Tu fai schifo a me. Tua voglia di vivere fa schifo a me. Tuo amore fa schifo a me. In Parigi un greco faceva l’amore con un’oca: faceva questo per mangiare, per vivere. E tu, larva subumana mediterranea, riesci a trovare la forza per tua erezione di maschio. Per questo rimarrete voi, vincerete voi, piccoli vermi vitali senza ideali né idee. E noi, i nostri sogni di un’umanità eletta… troppo difficile…”.
Chiudiamo questo doveroso tributo ad uno dei film più sottovalutati della storia del cinema italiano con l’altrettanto doverosa menzione all’interpretazione di un grande Giancarlo Giannini, qui al meglio delle sue enormi potenzialità interpretative: nel dettaglio dei suoi occhi, che nell’ultima inquadratura del film dicono senza più crederci “Sì, sono vivo…”, si chiude una delle opere più affascinanti e sconcertanti della nostra cinematografia, un baraccone deviante e disturbante come solo i grandi lungometraggi sanno essere.
Da riscoprire, per farci i conti ancora una volta.

Me gusta mucho el cine de Lina Wertmüller, varias de sus películas, pero me acuerdo especialmente de una, Pasqualino Settebellezze, quizá porque conocí circunstancialmente a su actor y quedé prendado de su trabajo. Hay en la película una secuencia que me pareció notable, por su valor etnocéntrico, que es la secuencia en la que la capo, aquella enorme mujer alemana, gorda tetona llena de músculos, y culo y piernas anchas y grandotas, lo obliga a Pasqualino a que le haga el amor en una especie de sillón-diván que tiene ella en su oficina, en el campo de concentración. Y él, trabajosamente, con todo el rechazo que eso le provoca, se sube a ella como escalando una montaña –es una secuencia que está muy bien filmada– y logra el cometido sobre ese enorme pedazo de carne, con bastante vergüenza interior.
Luego hay otra escena memorable. La mujer obliga a Pasqualino a hacer lo mismo varias veces. Y en un momento están evaluando un poco el sentido y fin de esta guerra tan terrible y ella dice: Ustedes, ignorantes, brutos gusanos mediterráneos, van a ganar el mundo justamente porque no tienen ideales ni tienen vergüenza ni amor propio, pero son el epítome de la condición real de la subsistencia, y así se subsiste en un mundo sin valores. Me pareció una especie de acto de contrición ideológica de parte de esta mujer; la definición exacta que tenían los arios, en este caso los nazis, del mundo mediterráneo.
Es una secuencia que tiene una enorme cuota de patetismo y de rebajamiento, e impresiona toda la presunción moral de esta mujer que obligaba a realizar el acto sexual a este tipo al que por supuesto lo desmotivaba ese continente enorme de grasa, que con su cara rubicunda de chucrut y salchicha seguramente conseguiría pocos tipos en la vida.
Vi Pasqualino Settebellezze unos días después de su estreno y, como dije, había conocido a su actor, Giancarlo Giannini, en una presentación que se hizo aquí en Buenos Aires. Lo había traído la productora y se organizó una conferencia de prensa con un montón de gente interesante, pero ese día el traductor falló –no recuerdo por qué motivo–, y un tipo de la producción me llamó para preguntarme si yo, que hablaba italiano, no me animaba a ocuparme de la traducción. Le dije que sí y así lo conocí a Giannini, un tipo notable, con una gran simpatía y una especie de laxitud filosófica a la hora de hablar de su carrera: él decía de sí mismo: Esto es lo que hago, no sé si podré seguir siendo actor en el futuro, pero no tengo ningún tipo de posibilidad de creerme alguien importante, porque en general las películas pueden hacerlas veinte actores diferentes. Y creo que eso me condicionó para verlo con simpatía y con más “piedad” –no sé si ése es el término justo– cuando vi al personaje de Pasqualino en esa secuencia. Por entonces Giannini ya era conocido, ya había hecho varias películas importantes, y ya había trabajado con Lina Wertmüller en esa película en la que Sofia Loren tiene dos amantes, Amor, muerte, tarantela y vino. Era una época en la que el cine italiano se vendía como pan caliente: ese mismo día, hablando de tantas cosas, muchas intrascendentes, me dijo también: Estamos haciendo tantas películas para vender el modo de ser itálico, la famosa commedia all’italiana, que cada actor, cada guionista, cada iluminador pide cuantiosas sumas de dinero, que se le pagan, y cada vez queda menos dinero para hacer la película.
Con Giannini no nos volvimos a ver, pero el destino me puso en una disyuntiva de esas un poco patéticas años después, cuando Guillermo del Toro estaba por hacer Mimic, esa película de las cucarachas gigantes, con Mira Sorvino, y me llamó para hacer un personaje. Yo, que tenía un compromiso en España con un director holandés, me lo perdí, y ese papel lo hizo Giannini.
En cuanto a la película de Wertmüller –una directora que me gusta mucho, un ser humano importante, vamos–, es un film que volví a ver varias veces, una vez cada tanto, pero como vuelvo yo a rever los films que me gustan: no lo busco especialmente, así como no me gusta almacenar dvds ni vhs; no tengo pasión de cinéfilo coleccionista, me gusta ver las películas un poco por casualidad, tropezarme con ellas, y repetir cada tanto un acto ocurrido hace tiempo con una suerte de pátina de virginidad. Mantiene el interés vivo.
Me gustaría que se filmaran más películas como Pasqualino Settebellezze, más películas que vuelvan sobre aquellos temas y aquella época, no necesariamente hechas con rigor histórico o pautas veristas, pero sí que recuerden el pasado; porque creo que a veces olvidamos el profundo pozo en que cayó la humanidad en esa época. Cuando vemos los discursos de Hitler, o la efigie de Mussolini –como aparece en esa película reciente de Bellocchio, Vincere–, en el discurso de la Piazza Navona, con sus disparatados gestos de personaje de opereta, de la más horripilante estética, y la gente vibrando con eso, reaparece esa condición perversa, eléctrica, de locura. Me gustaría que el cine tocara más a menudo eso, porque, como decía Brecht, hablar del pasado ubicándolo en el algún lugar imaginario nos permite ver el presente con menos precaución, y verlo más a fondo. Y eso es lo que me pasó a mí al menos, con los discursos por la discusión del matrimonio igualitario, al escuchar las cosas que decían algunos de los opositores –diputados, senadores; gente con educación, con dinero, que podrían algún día presidir mi país–; cosas que forman parte de la historia del disparate humano en su más negra acepción. Cosas que nos hacen pensar que no estamos tan lejos de la irracionalidad de los tiempos de la Segunda Guerra, y que por momentos se parecen a la descripción que hizo esta gorda en Pasqualino: parecen bruti vermi mediterraneo, ¡podridos gusanos mediterráneos!
Así se subsiste en el mundo
Federico Luppi...
http://unblogdeactores.blogspot.com/2010/10/la-escena-favorita.html

lunes, 28 de marzo de 2011

La siciliana ribelle - Marco Amenta (2009)


TÍTULO La siciliana ribelle
AÑO 2009 
SUBTITULOS Si (Separados)
DURACIÓN 113 min.
DIRECTOR Marco Amenta
GUIÓN Marco Amenta
MÚSICA Pasquale Catalano
FOTOGRAFÍA Luca Bigazzi
REPARTO Veronica D'Agostino, Gérard Jugnot, Giulia Andò, Roberto Bonura, Paolo Briguglia
PRODUCTORA Coproducción Italia-Francia; Eurofilm / R&C Produzioni / Roissy Films
GÉNERO Drama | Crimen. Mafia. Basado en hechos reales

SINOPSIS Tras ser testigo del asesinato de su padre hace 7 años, cuando la joven siciliana Rita vuelve a ser testigo, esta vez del asesinato de su hermano, no puede más y decide vengarse de la mafia con la que ha convivido toda su vida, facilitando datos a la policía. Repudiada y amenazada por los habitantes de su pueblo natal e incluso su madre, ha de irse de Sicilia y mudarse a Roma, donde vivirá bajo un nombre falso. (FILMAFFINITY)

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Subtítulos

Sono cinquantotto le copie destinate all'uscita in sala de La siciliana ribelle, segno tangibile della fiducia che l'Istituto Luce ripone in questa pellicola, nuova regia di Marco Amenta dopo Il fantasma di Corleone. Il regista, alle prese con un'opera dichiaratamente fiction dopo gli esordi "documentaristici", non nasconde la propria soddisfazione: "L'importante è arrivarci, al secondo film,  considerato quanto è difficile combattere per riuscire a fare il primo. .."
Il film, ispirato alla reale vicenda di Rita Atria, narra di una ragazza (l'attrice Veronica D'Agostino) che decide di collaborare con la giustizia per vendicare i propri familiari morti ammazzati da rappresaglie di stampo mafioso. Una decisione che la emarginerà dalla vita e dai propri affetti, con la madre ferma nel rinnegarne le decisioni. "Ho conosciuto la vera madre di Rita Atria", spiega Amenta, "e posso dirvi che è ancora più dura di come si vede nel film. è una donna di un'altra epoca, fedele a quella Sicilia arcaica e maschilista, dove la donna veste sempre di nero e non deve parlare. Probabilmente non sa darsi pace che sua figlia ha fatto quella scelta che lei non è riuscita a fare". 
Centrale è la descrizione del percorso interiore di Rita, che ha idealizzato i propri familiari defunti per poi rendersi conto di quanto invece fossero fatti della stessa pasta dei loro sicari. "Ho deciso di adeguare anche la regia a questo percorso interiore, optando nella fase iniziale per un 35mm in grado di descrivere una realtà, quella di Rita, idealizzata e "solare", e nella seconda per i colori tenui e la pastosità del super16, con molta macchina a spalla, per costruire una realtà "traballante" e priva di certezze come quella di Rita, ormai braccata dal clan che la vuole morta e "prigioniera" di una casa grigia e spoglia in quel di Roma, dove viene sorvegliata dagli agenti di polizia".
La siciliana ribelle persegue costantemente l'intento di evitare i manicheismi in favore delle mezze tinte: di fatto, all'interno di una struttura filmica inizialmente molto "classica", la mafia viene minuziosamente smitizzata dall'interno. "Qualcosa di analogo è accaduto anche in Gomorra, che curiosamente è stato girato nello stesso periodo.  Anche in quel caso, non c'è alcuna concessione romantica ed è ora che si cominci a parlare della mafia per quel che è, realmente." Anche se non è una realtà da Oscar...

E’ ancora una “picciridda” Rita Atria quando a 17 anni, nel 1991, sale le scale della procura di Marsala, per parlare, per dire tutto quello che sa della mafia a Partanna, il paese dove vive. Profondamente ferita due volte, prima dall’uccisione del padre e poi del fratello, entrambi mafiosi uccisi dalla mafia, infrange la legge del silenzio e dell’omertà. Dice tutto quello che l’amato fratello le ha rivelato: una minuziosa cronaca di fatti e persone. A raccogliere la sua testimonianza è il procuratore della repubblica Paolo Borsellino che diventa un’importante figura di riferimento, quasi un padre. Seguono le indagini e gli arresti.
Disconosciuta e maledetta dalla madre, colpita dall’onta di avere una figlia “spiuna”, Rita per la sua incolumità viene trasferita a Roma sotto falsa identità. Dal desiderio di vendetta al desiderio di giustizia; lontana dalla sua terra, nella solitudine che condivide con la cognata anch’essa collaboratrice di giustizia, Rita paga il prezzo per non essersi piegata alla legge del silenzio e scrive sul suo diario: "la prima mafia da combattere è quella dentro di noi".
Ne La siciliana ribelle il punto di vista è quello di Rita, un’adolescente cresciuta nei valori familiari mafiosi, di protezione e omaggio, di obbedienza e silenzio che per vendicare l’uccisione del padre e del fratello si ribella e si rivolge alle istituzioni sebbene sin da piccola sia stata educata a considerarle nemiche. L’ambivalenza, la disperazione e la rabbia volgono verso un percorso di formazione morale sostenuto da un paterno procuratore della repubblica avvezzo ai problemi delle adolescenti arrabbiate. Come Antigone, Rita va contro la legge dei suoi padri e come Antigone, ostracizzata e sola, va verso l’epilogo da tragedia classica.
Marco Amenta, siciliano, documentarista da tempo impegnato sui temi della mafia (L’ultimo Padrino, Il Fantasma di Corleone), approda alla fiction con un film ispirato e dedicato a Rita Atria. Già nel titolo, un po’ romanzo d’appendice, la pellicola d’impegno civile si confonde tra le molte fiction prodotte negli ultimi anni. Sebbene con alcuni momenti visivamente ben costruiti, come la traduzione per immagini della rabbia interiore che segna il punto di svolta della protagonista, il racconto cinematografico di Amenta procede con passo incerto.
Il limite forse nasce dagli elementi aggiunti e sottratti a una storia vera che lui conosce bene perché l’ha già raccontata dieci anni prima nel suo documentario Diario di una siciliana ribelle. Sottrae alla storia la figura della cognata, che per prima si rivolse alla giustizia, eliminando il possibile confronto tra due donne sole e contro tutti; stempera la rottura con la madre, e aggiunge storie sentimentali che tra l’altro fanno scivolare in un pre epilogo poco sopportabile. Il vincolo di ciò che si conosce bene e la necessità di discostarsene diventano una trappola narrativa a cui si aggiunge una difficile calibratura del peso visivo, evidente nella scena della sparatoria nel cimitero e nel salvataggio “dall’alto” delle forze dell’ordine.
Un’eccessiva ricerca dell’evidenza e le continue sottolineature portano a una narrazione un po’ didascalica, che riduce la forza e l’efficacia dell’impegno civile del film. Dettagli dalla ridondanza simbolica poi appesantiscono ulteriormente, come la poco credibile parure di tenda e ombrellone di colore rosso sulla piazza teatro di sangue. Né un cast di buon livello e in parte avvezzo al tema (Veronica D’Agostino, la figlia di Borsellino in una fiction tv e Lucia Sardo ne I 100 passi), nonostante la discutibile scelta del pur bravo Gérard Jugnot (Les choristes) nella parte del procuratore siculo, né l’occhio esperto di Luca Bigazzi alla fotografia sollevano le sorti di un film fragile e poco convincente.
La prossima regia di Marco Amenta sarà Il banchiere dei poveri, tratto dall’omonimo libro di Mohammed Yunus, inventore della formula del micro-credito in Bangladesh e premio Nobel per la pace 2006. Lo attendiamo con fiducia.
Fabrizia Centola
http://www.nonsolocinema.com/stampa14917.html
 

domingo, 27 de marzo de 2011

La Famiglia - Ettore Scola (1987)


TÍTULO La famiglia
AÑO 1987 
SUBTITULOS Si (Separados)
DURACIÓN 127 min.
DIRECTOR Ettore Scola
GUIÓN Ruggero Maccari, Furio Scarpelli, Ettore Scola
MÚSICA Armando Trovajoli (AKA Armando Trovaioli)
FOTOGRAFÍA Ricardo Aronovich
REPARTO Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Fanny Ardant, Philippe Noiret, Carlo Dapporto, Jo Champa, Cecilia Dazzi, Ottavia Piccolo, Memè Perlini
PRODUCTORA Massfilm
PREMIOS
1987: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1987: Festival de Cannes: Sección Oficial. Nominada a la Palma de Oro
1987: 5 Premios David di Donatello: Mejor película, director, actor (Gassman), guión y montaje
GÉNERO Drama

SINOPSIS Historia de la vida de varias generaciones de una familia romana de la burguesía, desde 1906 hasta 1986. Nos la cuenta Carlo, profesor de italiano, desde el día de su bautismo hasta que se encuentra rodeado de hijos y nietos. El resto de los personajes, el abuelo, el padre, la madre, las tres inseparables tías solteras, el hermano, la criada enamorada del hermano, y sucesivas generaciones, forman una escena llena de sentimientos, simpatía y sobre todo vida. (FILMAFFINITY)

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Subtítulos

Estupenda y mísera, como la vida,
por Luis Antonio de Villena

Ettore Scola dirigió La familia -de la que también es coguionista- en 1987. Tenía entonces 56 años, pero aún no hacía demasiados que era conocido fuera de Italia. Quiero decir que, para algunos, el nombre de Ettore Scola sonaba todavía entonces a nuevo, cuando estaba muy lejos de serlo. Nacido en Trevico (Avellino) en mayo de 1931, Scola trabajó muchos años como guionista (para algunos críticos, aún, el guión suele ser el plato fuerte de sus películas) antes de iniciarse como director en 1964, en el terreno -muy italiano en tales fechas- de la comedia de costumbres, con Se permette, parliamo di donne (Hablemos de mujeres, si es posible) me parece que nunca estrenada en España.
Creo que muchos descubrimos a Ettore Scola con una película excepcional (muy suya ya en sus maneras y obsesiones) como es Una giornata particolare (Una jornada particular) de 1977, espléndidamente interpretada por Marcelo Mastroianni y Sophia Loren. Una película de diálogo -de hecho se hizo después teatro- de interiores y decorados, con todo lo que ello tradicionalmente subraya el llamado contenido. Y esas son las características esenciales y recurrentes del cine de Ettore Scola. Para entonces el realizador ya había dejado atrás sus no pocos años -diez al menos- de director de películas, según la mayoría de los críticos, mediocres. De hecho el primer éxito de Scola -y donde realmente comienza su cine más personal- fue C’eravamo tanti amati de 1974, que en España se tituló Una mujer y tres hombres, y donde repasaba ya la historia italiana desde la postguerra hasta aquel momento. En Una giornata particolare (Una jornada particular) el invisible fondo histórico (la visita de Hitler a Roma) le sirve a Scola para retratar la opresión fascista en dos marginados que casualmente se encuentran: un periodista homosexual represaliado y un ama de casa que no parece servir para otra cosa sino para atender obsesivamente a su marido y a sus hijos...
Scola tendrá un corto periodo de películas históricas -aunque siempre de corte intimista- como la muy digna Il mondo nuovo (en España y en Francia, titulada La noche de Varennes, de los tiempos de la Revolución francesa) de 1982, antes de volver a la mezcla esencial de su cine, que quizá tenga su cumbre (al menos suele ser tenido como su filme más completo) en La familia: crónica social, retrato de la transformación de un mundo y reflexión sobre la vida de los individuos, inevitablemente condenada a los condicionantes de su tiempo (o de sus tiempos) y evidentemente de la Historia.
Digamos -antes de entrar plenamente en el tema- que el éxito de La familia quedó avalado por cinco David de Donatello (el equivalente italiano a nuestros Goya) y por ser nominada ese año al Oscar a la mejor película extranjera. Coproducción italofrancesa, La familia es una película de algo más de dos horas de duración -poco más- en la que el espectador entra, casi sin percatarse, cada vez en niveles y significados más profundos. Pues la magia de La familia está, indudablemente, en la pluralidad de sus significados, sin salir del piso de una familia de la burguesía romana, durante unos ochenta años, entre 1906 y 1986, aproximadamente... De los cuatro actores principales de la cinta (aunque todo el reparto es muy pulcro, y en especial las secuencias con los protagonistas jóvenes) Vittorio Gassman, el patriarca del clan, borda su papel, quedando muy a su altura -pero menos teatral, más discreta- Stefania Sandrelli, que suele ser todavía una de las actrices favoritas de Scola. Fanny Ardant está convincente (aunque no puede evitar ese toque Chanel que tanto le va) y el gran Philippe Noiret sólo protagoniza una escena frente a Gassman, quizá parte excelente del tributo debido a la cota francesa de la producción.
Para algún decorador, La familia parecería la historia de las transformaciones de un gran piso burgués a lo largo de buena parte del siglo XX, desde que el narrador nos empieza a contar su bautizo -toda la familia haciéndose una foto de grupo- hasta que ya viejo ese niño, ahora el abuelo familiar, vuelva a hacerse otra foto similar, con una familia, la suya, pero muy distinta de la anterior. Para cerrar bien el círculo -o el marco del cuadro- el abuelo de la primera foto (que sostiene en sus brazos al niño bautizado) es ya Vittorio Gassman, que volverá a ser el abuelo de la escena final. Ambos han sido profesores de literatura, y el abuelo inicial poeta aficionado y poco amigo de su coetáneo Carducci, del que habla mal, pero que será quien quede -por mejor poeta- en los libros de historia literaria. Es muy significativa, con todo, una frase pasajera del principio: Cuando el viejo abuelo pregunta el nombre de su nieto recién bautizado, le dicen: Carlo. Y él -pedantón- le replica a su hijo, padre de la criatura: “Carlo. Del germánico Karl, que significa hombre libre. Recordádselo cuando sea mayor”.
Para un historiador, La familia es un perfecto resumen íntimo de la historia reciente de Italia, desde la monarquía de los Savoia hasta la república de la Democracia Cristiana, acosada por el terrorismo, pasando por la Dictadura fascista, dos guerras mundiales, y la secuela de penuria y hambre que dejó especialmente la Segunda. Todo esto lo vamos viendo (y ello forma parte del estilo Scola) sin un solo plano exterior, a través de los movimientos de los miembros de la familia -desde los niños a las tías solteronas- y de sus anécdotas, sus complicaciones y sus charlas, sobre vida y política.
Pero siendo, indudablemente, un friso social, histórico y político (en este sentido Scola hereda el sentimiento de denuncia del neorrealismo, sólo en este sentido) nos quedaríamos francamente cortos si solo viésemos en La familia ese gran cuadro intimista. Quizá, por ello, sea el psicólogo (más que el decorador o el historiador) el espectador que cale con profundidad mayor en esta cinta. Decían los novelistas del realismo -nada faltos de razón- que toda vida es una novela. Como en una familia (que se transforma) concurren y se cruzan múltiples vidas, estamos obviamente, ante muchas y cruzadas novelas... Y eso es, también, La familia: un cruce de historias, a veces solo esbozadas, de las que parecen poder extraerse dos conclusiones a la par opuestas y complementarias: Nunca faltan momentos de felicidad, pero toda vida (incluso la que parece cumplida) es a la vez un triunfo y un inevitable fracaso. En el caso de Carlo, el profesor de literatura, su drama se diría radicar en no haberse casado con su guapa, culta y atractiva cuñada Adriana (que se va a París) casándose en cambio con su alumna Isabel -hermana menor de Adriana- que será la madre de sus hijos y una esposa excelente. Pero ¿hubiese sido mejor su vida con Adriana? Siempre creerá que sí, pero el espectador nunca puede estar seguro, como cualquier ser humano no está seguro -nunca- de los caminos de su vida. Estas hermanas tan atractivas y opuestas están encarnadas por Fanny Ardant (Adriana) y Stefania Sandrelli (Isabel) que saben envejecer bellamente -aunque una muere antes- junto al Carlo gruñón, tierno y frustrado que (como adelanté) borda un Gassman a quien el papel conviene en casi todos sus registros, casi siempre algo teatrales...
Sin duda La familia es una película excelente. Dice innumerables cosas y profundiza en infinidad de temas, aparentando ser una mera crónica, incluso algo superficial, cuando casi parece confundirse la familia con el gran y viejo piso en que vive. Claro es que, como mucho del mejor Scola -y aunque recorra una saga histórica-, La familia es una película de intimidad e interior, cercana al espíritu del guión (quiero decir al espíritu de la letra) y por tanto al teatro. Lo que en ningún caso quiere decir que La familia no sea puro y alto cine, sólo que no es cine de acción ni de efectismos, sino cine de diálogo, de palabra...
Creo que, hasta hoy, La familia sigue siendo la obra más ambiciosa del muy prolífico Ettore Scola. A finales de este octubre se ha estrenado en Italia su última película: Gente di Roma. Entrevistado en tal ocasión (noviembre de 2003) Scola ha dicho algo que bien vale para lo mejor de su obra y su actitud vital. Habla hoy -con 73 años- un hombre, activo y enérgico, de pelo y barba blancos: “¿El oficio de director? Es duro y fatigoso y a veces asalta el riesgo de que se convierta en pura rutina. Por eso es necesario intentar caminos diversos. En todas mis películas he buscado siempre no estancarme y no aburrirme, de otro modo habría sido más fatigoso aún”. La familia está entre los más serenos y hondos de tales diferentes caminos.
http://www.elcultural.es/version_papel/CINE/8643/La_familia

 
Questo è il giorno del mio battesimo, festeggiato nella casa del nuovo quartiere Prati, appena acquistata a riscatto da mio nonno: tra vent'anni sarà nostra. Nel gruppo in posa per la fotografia di rito, mio nonno è quello seduto in poltrona e io sono quello infilato nel porte-enfant. Mi tiene precariamente fra le braccia la piccola Adelina, nipote della nostra domestica Nunzia che si intravede nel fondo, sulla destra.
-Fermi, fermi!
Questa signora con gli occhi celesti è mia madre. Prima di sposarsi studiava canto e così la sera non mi fa addormentare con le solite ninna-nanne, ma con le romanze e con le arie delle opere liriche.
Zia Mellina, zia Margherita e zia Luisa sono sorelle di mio padre, tutte e tre nubili; e questo è il dottor Giordani, nostro medico di famiglia, scapolo.
Mio nonno. Professore di lettere all'Università di Roma. Rigoroso poeta dilettante. Fiero detrattore del Carducci, del quale ama ripetere: "Il leone repubblicano è diventato il barboncino della Regina".
- Cosa diventerai? Un genio o un imbecille?
< Quante storie! Diventerà un figlio di Dio.
- Eh, come carriera, un po' modesta.
- Mamma ...
< Ma ti fanno male, ti verrà il mal di pancia, la febbre, il tifo...
Il ragazzo al quale la nonna sta elencando tutti i malanni da eccesso di cibo è lo zio Nicolino, fratello di mia madre, che vive a Macerata ed è in visita per l'occasione.
Il bambino che Adelina tenta di imboccare è mio cugino Enrico, anche lui venuto a festeggiarmi. Però vive a Roma, è figlio dello zio Michele e della zia Ersilia, chiamata dalle mie tre zie, chissà perché, i Fratelli Cairoli.
http://www.italica.rai.it/principali/lingua/lessons/l_famiglia_ettore_scola/testo.htm

sábado, 26 de marzo de 2011

La Guerra e il Sogno di Moni - Giovanni Pastrone, Segundo de Chomón (1916)


TITULO La Guerra e il Sogno di Momi
AÑO 1916
SUBTITULOS Si (Separados)
DURACION
27 min.
DIRECTOR Giovanni Pastrone
DIRECTOR DE FOTOGRAFIA,TRUCOS, MAQUETA y ANIMACION Segundo de Chomón
GUION Giovanni Pastrone
PROTAGONISTAS Guido Petrungaro, Valentina Frascaroli, Enrico Gemelli, Alberto Nepoti.
GENERO Belica, animación, cortometraje


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Subtítulos

La guerra e il sogno di Momi è un mediometraggio muto italiano del 1917, con incluse delle sequenze di ripresa a passo uno di pupazzi; uno dei primi film italiani che ha utilizzato tecniche d'animazione per degli effetti speciali.
Il padre del piccolo Momi è partito per la guerra, e mantiene i contatti con la famiglia attraverso la corrispondenza; il nonno di Momi gli legge una delle lettere del padre, contenente racconti di battaglie; dopo la lettura, il piccolo si addormenta, e sogna fantasticherie di fatti d'armi e di scontri sostenuti da dei soldatini, condotti dal valoroso padre, fino al trionfo finale.

Sinopsis y crítica
La figura del técnico español Segundo de Chomón (1871-1929) se ha asociado en demasiadas ocasiones a los trucos cinematográficos por los que fue contratado en Francia y en Italia. De hecho, en esa faceta fue encasillado en su época. Pero Segundo de Chomón también fue un gran innovador en el terreno de la animación, desde muy diversas técnicas: las siluetas (mucho antes de que Lotte Reiniger triunfara con ellas), los muñecos, las figuras de arcilla, la animación de objetos o los dibujos animados. Sus dos títulos más célebres en este ámbito los hizo con muñecos: Le thêatre du petit Bob (1909), que hizo para Pathé, y La guerra e il sogno di Momi (1917), en su etapa italiana, donde colaboró de forma fructífera con Giovanni Pastrone.

Esta última película, conservada por el Museo Nazionale del Cinema de Turín, y de poco más de 20 minutos de duración, tiene dos partes claramente diferenciadas. En la primera, interpretada por personajes de carne y hueso, la carta de un soldado en el frente es leída por su familia. En ella les cuenta su amistad con un joven al que el enemigo destruye el hogar y cómo "los valerosos soldados italianos" reconstruyen su casa en poco tiempo. Las escenas de batalla, el incendio de la casa y el movimiento ordenado de los soldados sobre la nieve configuran a la película un gran acierto en cuanto a la recreación de un conflicto que en ese momento estaba de plena actualidad. El más pequeño de la familia, Momi, tras escuchar el relato y ponerse a jugar un poco, se queda dormido. Aquí empieza la segunda parte, la del sueño de Momi: sus dos muñecos se empiezan a enfrentar y organizan a su alrededor ejércitos. Es de gran inventiva la aparición de los nuevos soldados, que cobran tridimensionalidad tras salir totalmente planos de un libro. Luego se describen batallas en diversos frentes, desde unas creíbles trincheras hasta el combate aéreo, junto al detalle minucioso de la tecnología de la guerra, aspecto éste en el que llama la atención la inclusión del gas tóxico, cuya utilización creaba una gran polémica en la época. No debió ser fácil para Chomón hacer creíble la escalada de los soldados por la montaña haciendo uso de sus bayonetas como puntos de sujeción, así como sincronizar las explosiones de los bombardeos o hacer que el pueblo visto desde arriba no pareciera lo que es, una maqueta. Tampoco el convencer de la viabilidad del producto, tanto por las semanas que debió emplear en la animación como por el espíritu poco favorable a tomarse en broma (el tono de la película es fundamentalmente lúdico) un conflicto bélico que aún estaba vigente.

Los dos muñecos rivales acaban su pelea en el pantalón de Momi, que se despierta alertado por un pinchazo en el pie, que él cree producto de una bayoneta, pero que es simplemente una astilla.


viernes, 25 de marzo de 2011

Fabiola - Alessandro Blasetti (1949)


TITULO Fabiola
AÑO 1949
IDIOMA Italiano
SUBTITULOS Español (Separados)
DURACION 164 min.
DIRECCION Alessandro Blasetti  
GUION Alessandro Blasetti, Mario Chiari, Diego Fabbri (Novela: Nicholas Patrick Wiseman)
MONTAJE Mario Serandrei  
PRODUCCION Salvo D'Angelo
MUSICA Enzo Masetti  
PROTAGONISTAS Michèle Morgan, Henri Vidal, Michel Simon, Gino Cervi
Elisa Cegani

SINOPSIS  Entre Fabiola, hija de un senador romano, y Rhual, un gladiador galo, surge un poderoso romance. Pero cuando el padre de Fabiola es asesinado, los romanos acusan a los cristianos, desatándose una persecución sin piedad. Rhual se confiesa cristiano y es sentenciado a morir luchando en la arena.

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Per conoscere Blasetti regista Che inventò... quasi tutto

Gli dobbiamo tutti qualche cosa: lo diceva Luchino Visconti parlando a nome della categoria dei registi e l' ha scritto Giampiero Brunetta come storico del cinema italiano. Entrambi si riferivano ad Alessandro Blasetti, il «regista con gli stivali» (dalla particolarità dell' abbigliamento che si trasformò in una specie di immagine di marca), ma anche il regista che ha «inventato» il film sonoro (Resurrectio), il film storico (1860), il film fantasy (La corona di ferro), il film neorealista (Quattro passi tra le nuovole), il peplum (Fabiola), il film a episodi (Altri tempi), i «mondo-movie» (Europa di notte)... Forse queste «primogeniture» avrebbero bisogno di qualche puntualizzazione in più, sicuramente la sua carriera ha avuto anche cadute di stile e di tono, ma è indubbio che il posto di Blasetti nella storia del cinema italiano è più importante di quello che solitamente gli si tende a dare. Anche perché è più facile vederlo come attore in film altrui (interpretò magistralmente il regista, cioè se stesso, in Bellissima di Visconti o Una vita difficile di Dino Risi) piuttosto che trovare belle copie dei suoi film in dvd. A colmare una lacuna arriva la Ripley che sta pubblicando un consistente numero di titoli. Già usciti Altri tempi (1952), Quattro passi tra le nuvole (1942), Un' avventura di Salvator Rosa (1939) e soprattutto il magistrale 1860 (1934). In arrivo Palio (1932), La contessa di Parma (1937), La cena delle beffe (quella di «chi non beve con me, peste lo colga!») (1941), Nessuno torna indietro (1945), Tempi nostri (1954). E la lista non si ferma certo qui. Tra i film già editati merita una segnalazione speciale 1860, il film prodotto dalla Cines di Emilio Cecchi per onorare il cinquantenario della morte di Garibaldi. Il film racconta il viaggio di un pastore siciliano che fugge dalla Sicilia oppressa dai Borboni per portare a Garibaldi notizie sulla consistenza militare dei rivoluzionari e dei dominatori spagnoli. E che poi si aggrega alla spedizione dei Mille per tornare dalla moglie in Sicilia. Restaurato magistralmente dalla Cineteca Nazionale, integrato del finale «fascista» che collegava lo spirito dei garibaldini con quello mussoliniano (Blasetti non ha mai nascosto la sua convinta adesione al Regime, almeno fino alla guerra d' Etiopia), colpisce ancor oggi per la modernità del racconto, la forza delle ellissi narrative, l' attenzione alle diverse lingue e dialetti e il rifiuto della retorica. Allegato c' è un dvd con la versione leggermente ridotta che riuscì nel 1951, molti extra e un prezioso libretto di documentazione d' epoca.
http://archiviostorico.corriere.it/2008/gennaio/14/Per_conoscere_Blasetti_regista_Che_co_9_080114123.shtml


Fabiola (1948) fue una monumental superproducción basada en la novela del mismo nombre del cardenal inglés Nicholas Patrick Stephen Wiseman (1802–1865). La dirigió Alessandro Blasetti (Roma, 1900-1987), uno de los directores más importantes en la época fascista del cine italiano. Acabada la guerra mundial continuó trabajando en películas importantes hasta 1969, cuando estrenó Simón Bolivar, su última aportación al mundo del cine.
Wiseman, hijo de un comerciante irlandés, nació en Sevilla donde sus padres estaban instalados por razones laborales, aunque no tardó en trasladarse a Waterfod (Irlanda) para iniciar sus estudios una vez fallecido su progenitor. En 1854 publicó su famosa novela Fabiola que obtuvo un importante éxito en toda Europa. Si Qvo Vadis contaba la primera persecución contra el cristianismo, la presente novela se ceñía a la última en la época de Diocleciano.
Las persecuciones decretadas a principios del siglo IV fueron las más brutales que se conocen, intentando conseguir su exterminación. Sin embargo fue un fracaso porque no consiguió erradicar el cristianismo que cada día obtenía mayores adeptos.
La película de Blasetti está inspirada en la época de Majencio, algunos años posterior a Diocleciano, el rival de Constantino I con quien mantuvo una guerra civil que terminó con la vida de aquel, ahogado en el río Tiber en el año 312. Poco se sabe de su gobierno, salvo que Constantino le denigró todo lo que pudo. Las persecuciones de cristianos se acabaron en la época de Diocleciano porque las consideraron improductivas e inútiles.
Por eso Constantino fue lo suficientemente inteligente en adoptar la nueva religión y adaptarse a las circunstancias. Los acontecimientos de Agora (2010) transcurrieron a finales del mismo siglo en Alejandría.
Fabiola, la película, trata pues del triunfo del cristianismo y cómo consiguió llegar al poder. La trama transcurre alrededor del asesinato de Fabio (Michel Simon), un rico comerciante que desea liberar a todos sus esclavos, la mayoría de ellos cristianos, para adoptar la nueva religión provocando un sonado escándalo en la Roma de la época.
Es asesinado y se culpa de ello a los cristianos, sobretodo a un gladiador Rual (Henri Vidal). Fabiola (Michèle Morgan) acaba por enamorarse de él y luchará para conseguir su libertad, la cual se consigue con la llegada de Constantino I a Roma al mando de sus tropas y la consiguiente huida de Majencio.
Los actores prácticamente ya están olvidados por el público actual, Henri Vidal fue antagonista de Anthony Quinn (Atila) en Hombre o demonio (1954) y falleció prematuramente a los 40 años tras rodar ¿Quiere Ud. bailar conmigo? (1959) al lado de Brigitte Bardot.
Michèle Morgan, una de las grandes damas del cine francés, tendrá actualmente unos 90 años y estará completamente retirada del mundo del espectáculo aunque trabajó hasta edades tardías.
La película de Blasetti se ha recuperado hace pocos años, circulando copias incompletas en muy mal estado, pero aún así ha sido muy difícil de visionar. Sobretodo encontrar una copia subtitulada para poder comprender la totalidad de sus diálogos.
Más que el triunfo del cristianismo, que es básico en el metraje, la narración se centra en tiempos de cambio. cómo una sociedad, la pagana, se va hundiendo cada vez más, y los cristianos ganan en prestigio convirtiéndose la población a pasos agigantados. Una persecución final sólo sirve para que los romanos abracen la nueva religión.
Es significativo cómo el gladiador Rual rechaza matar a sus contrincantes en la arena y cómo éstos acaban por comprender y secundarle, rebelándose contra el poder del imperio negándose a matar a sus oponentes.
Fabiola pues cuenta el final de una sociedad y el nacimiento de otra. La sociedad pagana, esclavista, corrupta, deja espacio para otra más igualitaria en donde se destierra el odio, el desprecio a los semejantes. Un discurso trasladable al mundo moderno, sobretodo en 1948, fecha del rodaje, cuando se imponían las nuevas ideas socialistas en detrimento del sistema capitalista. La película establece pues un paralelismo entre ambas situaciones, aunque ya se sabe que el Vaticano de la época, con el ultraconservador Pio XII al frente, financió en parte su producción que tenía intenciones propagandísticas muy claras.
Otras producciones del tema, como Qvo Vadis, son más conocidas por ser de producción hollywoodense, utilizar el color y una puesta en escena mucho más espectacular. Pero ésta no merece caer en el olvido de ningún modo.
http://salvadorsainz.blogspot.com/2011/01/fabiola-1948-fabiola-1948-fue-una.html

Novela "Fabiola o La iglesia de las catacumbas" de Nicholas Patrick Stephen Wiseman

jueves, 24 de marzo de 2011

Il signor Max - Mario Camerini (1937)


TÍTULO Il signor Max
AÑO 1937 
IDIOMA Italiano
SUBTITULOS Español (Separados)
DURACIÓN 86 min.
DIRECTOR Mario Camerini
GUIÓN Mario Camerini, Mario Soldati
MÚSICA Renzo Rossellini
FOTOGRAFÍA Anchise Brizzi
REPARTO Vittorio De Sica, Assia Noris, Rubi D'Alma, Lilia Dale, Caterina Collo, Umberto Melnati, Mario Casaleggio, Virgilio Riento
PRODUCTORA Astra Film
GÉNERO Romance. Comedia | Comedia romántica

SINOPSIS Gianni, es un joven quiosquero de Roma, que heredó algún dinero de su padre. Cada año, se va de vacaciones para mezclarse con los ricos. En Nápoles, Doña Paola -una adinerada mujer- le confunde con un popular individuo de la alta sociedad, Max Veraldo, y le invita a viajar con ella y sus acompañantes a San Remo. (FILMAFFINITY)


Per raccontare le differenze inappianabili tra l'alta società e la piccola borghesia, Mario Camerini ci racconta la storia del giovane Gianni, giornalaio a Roma e nipote di un umile controllore. Ogni anno, con i soldi ereditati dal padre, il ragazzo parte per una vacanza dove cerca di mischiarsi alla vita dei ricchi borghesi e godere dei loro benefici. A Napoli, assistito da un malinteso, Gianni viene scambiato dalla facoltosa Donna Paola per un popolare e rispettato frequentatore di salotti, il signor Max Veraldo, e invitato quindi a seguirla con gli amici nel suo soggiorno a Sanremo. Qui, Gianni perde fino all'ultimo centesimo giocando al Casinò ed è costretto a tornare a casa per riprendere la sua vita di indesiderate abnegazioni. Si approfondiscono i contrasti tra il ragazzo e lo Zio, convinto che il giovane dissennato sperperi la sua eredità senza il minimo scrupolo, stregato dalle false promesse di una vita di lussi. Quando Lauretta, la domestica di Donna Paola, passando casualmente per l'edicola sembra riconoscerlo, Gianni finge di non averla mai vista e la situazione precipita. La ragazza si allontana perplessa mentre Gianni insegue il suo taxi in bicicletta nel tentativo di scoprire dove abiti Donna Paola quando, disgraziatamente, perde il controllo e finisce contro la macchina, trovandosi costretto a mentirle e raccontare di averla rincorsa incantato dal suo fascino. Lauretta indugia, meravigliata da tanta impulsività.

La cameriera sembra inoltre piacere allo zio, che inizia a far pressioni sul nipote perché abbandoni le sue velleità e decida di mettere la testa a posto. Ma Gianni non vuole saperne, sino al momento in cui ravvisa con chiarezza le qualità fittizie di Donna Paola e della cornice sociale in cui si riflette, scoprendo di essere davvero innamorato di Lauretta e convinto di volerla sposare.

miércoles, 23 de marzo de 2011

Ça ira, il fiume della rivolta - Tinto Brass (1964)


TITULO Ça ira, Il fiume della rivolta
AÑO 1964
IDIOMA Italiano
SUBTITULOS No
DURACION 85 min
DIRECTOR Tinto Brass
GUION Tinto Brass, Gian Carlo Fusco
PRODUCTORA Zebra Film
FOTOGRAFIA Bruno Barcarol
MONTAJE Tinto Brass
MUSICA Romolo Grano
VOCES Enrico Maria Salerno, Sandra Milo, Tino Buazzelli
GENERO Documental

SINOPSIS Si tratta di una panoramica dal remoto 1900 fino ai nostri giorni. Dalla rivoluzione d'ottobre a quella messicana, dalla Grande Guerra all'invasione della Cina da parte dei giapponesi, dalla guerra di Spagna al secondo conflitto mondiale, dalla follia nazista e dei campi di sterminio al bombardamento atomico di Hiroshima e Nagasaky, il film è tutto un susseguirsi di scene allucinanti, un macabro affresco degli orrori della guerra.

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Ça ira - Il fiume della rivolta è un film del 1964 diretto da Tinto Brass.
È un film di montaggio riguardante le rivoluzioni ideologiche/politiche del XX secolo, iniziato nel 1962 ma uscito soltanto due anni dopo. Viene presentato fuori concorso al XXV Festival di Venezia nel 1964.
I primi quattro film della carriera di Tinto Brass non sono indicativi dei futuri sviluppi della sua opera, ma fanno presagire un talento indiscutibile. Fin dal primo lavoro, un film di montaggio come Ça ira – Il fiume della rivolta (1964), notiamo come il regista si mette in contrasto con i movimenti di sinistra del tempo. Il film esce dopo In capo al mondo - Chi lavora è perduto (1963) per problemi di censura e distribuzione, ma è sicuramente il primo lavoro di Brass. Il tema polemico è molto forte: le rivoluzioni sono un bagno di sangue, mentre le promesse di cambiamenti sociali spesso restano incompiute. Si tratta di un film di montaggio, un documentario di attualità che non vuole illustrare un personaggio famoso o un’epoca storica, ma gli orrori delle rivoluzioni. Non ci sentiamo di affermare che Tinto Brass è un autore di formazione marxista - come scrive Il Farinotti - perché le immagini che documentano gli orrori delle guerre non diventano il fondamento di un discorso ideologico. Tutt’altro. Brass si pone subito su posizioni di indipendenza e di evidente polemica nei confronti dei facili credo politici contemporanei. La sua tesi è di rottura, perché sfata il mito della rivoluzione socialista portatrice di benessere e di stabilità. Il Morandini stronca il film, afferma che si tratta di un lavoro di montaggio sulle rivoluzioni del Novecento, composto di immagini sin troppo note e commentato in modo da non spiegare ma solo facendo ironia sarcastica in linea con gli umori anarchici e libertari del suo autore. Piero Mereghetti sostiene che Brass mantiene il punto di vista di una sinistra ortodossa, gonfia di retorica per Lenin e Fidel Castro, aperta alle istanze terzomondiste e ancora imbarazzata per la repressione di Budapest del 1956. Non sembra vero, almeno dalle immagini che siamo riusciti a reperire e al soggetto globale del film. Brass è un abile montatore, dà al film un ritmo frenetico e inserisce accostamenti curiosi, come nel caso di due teschi radiografati che si rivolgono a Hitler e a Mussolini. Il film viene presentato fuori concorso al XXV Festival del Cinema di Venezia del 1964. Brass monta insieme una serie di macabre sequenze e scene allucinanti che raccontano la rivoluzione d’ottobre, quella messicana, la Grande Guerra, l’invasione della Cina da parte dei giapponesi, la guerra di Spagna, il secondo conflitto mondiale, il nazismo, il fascismo, i campi di sterminio, le bombe atomiche su Hiroshima e Nagasaki. Vediamo anche Paul Eluard che legge una sua poesia e ascoltiamo due canzoni interpretate da Edith Piaf ed Edmonda Aldini, ma la cosa più importante è che compare in embrione il tema del sesso come deragliatore ideologico.

Sequenze
1. il volto di un astronauta attraverso il casco, immagini del suolo della luna
2. immagini di manifestazioni di piazza rivoluzionarie dei nostri tempi
3. volti di povera gente che mangia
4. giovani cinesi che manifestano
5. stampe raffiguranti momenti della rivoluzione francese
6. campi di battaglia con soldati schierati nel 1914
7. lancio di bombe su una nave, scialuppe di salvataggio raccolgono i naufraghi
8. la prua della nave cala velocemente a picco
9. uno scontro tra due aerei in volo
10. esplosioni in aria e al suolo
11. militari inglesi e tedeschidietro le trincee
12. scene di guerra
13. un ufficiale russo consegna un riconocimento ad un soldato
14. altri capi di stato con militari
15. benedizione cattolica per le truppe austriache
16. un prete ortodosso passa a benedire militari russi
17. truppe schierate, poi un cimitero di guerra pieno di croci
18. caduti in battaglia ammucchiati in mezzo alla neve
19. militari si fasciano i piedi con bende e pezzi di camicie
20. donne e bambini sfollati e affamati per la strada
21. un locale elegante nella Russia prerivoluzionaria, militari ballano con signore
22. passatempi dei nobili: giochi, tuffi e bagni
23. manifestazione di soldati desertori e popolo russo
24. lancio di sassi e prime manifestazioni rivoluzionarie
25. soldati a cavallo caricano il popolo che manifesta
26. volto in lagrime di un bambino
27. fotografia dello zar
28. cannonate sulla folla
29. morti per le strade di Mosca
30. la Duma durante l'ultima riunione
31. funerali delle vittime della rivoluzione di febbraio
32. vengono abbattuti simboli dello zarismo dai palazzi e dalle strade
33. Kerenski viene acclamato dalla folla
34. soldati russi al fronte, dietro le trincee in mezzo al fango
35. escono dalle prigioni i detenuti politici
36. al fronte soldati russi e tedeschi si corrono in contro e si abbracciano
37. tornano Lenin e Trotzkij
38. i rivoluzionari di Lenin danno assalto al Palazzo d'Inverno di Pietroburgo
39. cannonate partono da una nave militare ferma in porto
40. vengono aperte le cancellate del palazzo e il popolo entra, un bambino seduto sul trono Romanov si diverte e agita il cappello
41. scene di folla
42. Lenin parla al popolo russo
43. immagini di stacco: una donna fa passi indietro, un uomo salta da una sedia, un atleta corre, insetti visti alla lente d'ingrandimento, cani e gatti, una donna salta uno sgabello
44. sfilata di re e prinicipi europei
45. militari dell'esercito cinese marciano
46. militari eseguono esecuzione di civili
47. fotografie della rivoluzione del 1904 contro gli anarchici in Russia
48. immagini della invasione italiana in Libia nel 1911: libici impiccati in piazza davanti ad una folla di militari
49. Messico, 1911: pupazzi ballano con una maschera da teschi sul volto
50. rivoluzionari messicani a cavallo
51. Pancho Villa tra i peones
52. i rivoluzionari sul tetto di un treno che attraversa il deserto messicano
53. scene di guerra tra i rivoluzionari e l'esercito
54. il presidente Porfirio Diaz fugge allontanandosi su un treno
55. Francisco Madero giunge in automobile acclamato dalla folla
56. scene di massa
57. Madero ucciso, poi i funerali
58. Pancho Villa con Emiliano Zapata a cavallo
59. i rivoluzionari durante uno scontro con l'esercito per entrare a Città del Messico
60. i rivoluzionari sfilano attraverso Città del Messico tra le acclamazioni della folla
61. Villa e Zapata ad un pranzo ufficiale
62. Villa si commuove davanti alla tomba di Madero
63. navi americane sbarcano in Messico
64. truppe schierate
65. truppe inglesi intervengono in Irlanda, De Valera parla agli insorti in piazza
66. scene di rivolta e guerriglia cittadina
67. perquisizioni per le strade delle città irlandesi
68. i soldati inglesi sparano colpi di cannone e catturano rivoltosi
69. vengono portate via sui camion militari le vittime degli scontri
70. Berlino, 1914: folla per le strade
71. discorsi concitati
72. industrie belliche in piena attività
73. minatori al lavoro nelle miniere tedesche
74. masse di operai in sciopero
75. l'esercito spara sugli scioperanti
76. rovine della Prima guerra mondiale
77. 1918: folla in festa per la pace
78. Lloyd George, Wilson, Clemenceau e Orlando dopo la firma della pace di Versailles
79. navi da guerra e truppe antibolsceviche agli ordini dell'ammiraglio Kolcak
80. disegni satirici contro la rivoluzione sovietica
81. militari dell'esercito russo controrivoluzionario fucilano militari sovietici rivoluzinari
82. disegno raffigurante Kolcak
83. altre esecuzioni sommarie da parte dei militari dell'esercito controrivoluzionario
84. Lenin parla alla folla
85. bolscevichi marciano per le strade
86. truppe bolsceviche si armano e partono con i convogli alla volta della guerra contro Kolcak
87. i sovietici vittoriosi
88. contadini zappano la terra
89. Germania, scene di piazza
90. la bandiera con l'aquila dell'impero tedesco viene gettata in mare
91. Guglielmo II passeggia su una spiaggia
92. spartachisti per le strade di Berlino
93. Liebknecht parla ai tedeschi
94. Bela Kun parla agli ungheresi in piazza
95. Italia: manifestazioni e scioperi
96. testata dell'Avanti con la richiesta del riconoscimento delle repubbliche
97. sovietiche
98. Berlino: l'esercito contro manifestazioni popolari
99. fotografie di Liebnecht e Rosa Luxemburg
100. militari sparano per le strade
101. impiccagioni di rivoluzionari
102. Italia, 1921: Mussolini tra la folla
103. poi parla dal balcone alla folla che lo acclama
104. scene di sfilate di camicie nere
105. il re al balcone
106. Mussolini avanza tra camicie nere, accanto a lui un fascista gli bacia la mano
107. dal bacone Mussolini mostra un fucile
108. Mussolini trebbia il grano
109. diverse pose di Mussolini qaundo parla dal balcone alla folla
110. sfilate di giovani del littorio
111. balilla e bambini in fasce, bambini che suonano i tamburi e altri strumenti di un'orchestra
112. tristi volti di uomini e donne meridionali che si salutano e partono
113. saluti dalle navi a chi rimane sul molo
114. minatori e operai al lavoro nelle industrie
115. un momento di uno spettacolo surrealista: viene tagliato un occhio con una finta lama
116. la Baker si esibisce sui palcoscenici
117. gli spettatori si divertono
118. opere raffiguranti nudi femminili
119. folla in festa durante un carnevale per le strade di una città americana
120. spettacoli di acrobazie
121. grattacieli
122. uomini e donne di colore ballano per le strade delle città americane
123. gare di ballo
124. adepti del Ku Klux Klan assalgono e uccidono
125. fotografia di Martin Luther King
126. la statua della Libertà
127. gangastar per le strade di New York
128. agenti di polizia sparano alle sagome nel poligono di tiro
129. agenti e gangster
130. catene di montaggio e fabbriche a pieno ritmo di lavoro
131. operai al lavoro
132. 1929: vengono buttate giù dai camion e bruciate derrate alimentari in eccedenza negli Stati Uniti
133. si rovesciano per le strade bidoni di latte
134. uomini parlano concitatamente
135. monete e biglietti inflazionati vengono bruciati
136. catene di montaggio delle fabbriche ferme
137. fabbriche con cancelli sbarrati
138. disoccupati per le strade delle città americane
139. scene di indigenza e desolazione
140. suffragettte cantano per le strade
141. file di disoccupati manifestano negli Stati Uniti
142. manifestanti per le strade di Londra
143. manifestanti per le strade di Bruxelles e di Parigi, poi di Berlino
144. Londra: agenti di polizia contro i manifestanti
145. gli operai assaltano le fabbriche e le occupano
146. altri scontri tra polizia e manifestanti
147. gli agenti arrestano manifestanti
148. sindacalista durante un discorso ai lavoratori
149. Roosevelt viene eletto, parla alla nazione nel giorno dell'insediamento
150. il Campidoglio parato a festa per l'insediamento del presidente
151. sfilata di reparti dell'esercito tedesco davanti a Hindeburg
152. Hitler parla alla folla
153. manifestazioni di disoccupati per le strade di Berlino e scontri con la polizia
154. Hitler in varie pose durante discorsi alla folla
155. volti di famosi nazisti che parlano alla folla
156. l'incendio del Reichstag
157. scritte antiebraiche per le strade della città
158. ebrei con il numero marchiato sul petto
159. vittime della persecuzione giustiziate
160. il ministro von Schirac durnate un discorso mentre esibisce la sua pistola falò in piazza dei libri contro l'ideologia hitleriana
161. discorso di Einstein ai popoli
162. bambini indiani al lavoro in una fabbrica locale
163. il pascià viene pesato secondo la tradizione indiana
164. indiani affamati
165. Ghandi parla ai microfoni di radio Chicago (?)
166. scene di poverta e desolazione per le srade dell'India
167. un battello lungo il fiume
168. scene della marcia del sale, Ghandi in mezzo al popolo indiano che protesta contro la tassa inglese
169. pacifica sfilata per le strade dell'India
170. Ghandi durante il digiuno
171. militari inglesi contro i manifestanti pacifici
172. vengono imprigionati molti manifestanti e portati in campi di prigionia
173. Cina: panorama di campagne, la Grande Muraglia, strade affollate di citta cinesi
174. cinesi che chiedono cibo
175. bambini al lavoro nelle attività artigianali di famiglia
176. bambini al lavoro nei filatoi
177. 1929, sciopero di Shangai, manifestanti e forze dell'ordine per le strade della città
178. repressioni
179. cadaveri decapitati per le strade della città
180. volti di donne europee attonite davanti ai carri armati che passano per le strade
181. Chang Kai Shek
182. militari di Chang kai Shek uccidono con la pistola i ribelli davanti alla folla per strada
183. Mao parla ai suoi
184. scene di guerra tra maoisti e gli uomini di Chang Kai Shek
185. popolazione cinese ridota alla fame, bambini malati, done denutrite
186. esercito Giapponese durante l'aggressione alla Cina del 1931
187. donne festeggiano l'entrata in guerra
188. scene di guerra per le strade delle città cinesi
189. bombardamento di Shangai del 1934
190. vengono portati via i morti su carretti e camion
191. scene di disperazione, di esecuzioni sommarie, bambini anche neonati
192. trucidati dai giapponesi
193. generali giapponesi soridenti e trionfanti
194. esodo dei cinesi verso l'interno del paese per sfuggire agli invasori
195. un fiume di famiglie in cammino
196. scene di guerriglia dell'esercito di Chang Kai Shek e uomini di Mao alleatisi cotro il nemico comune giapponese
197. truppe giapponesi travolte da un fiume in piena
198. altre scene dell'esodo cinese: treni sovraccarichi di profuhi, file e file di uomini avanzano faticosamente sul territorio cinese
199. Il Giappone abbandona la Società delle Nazioni; discorso del capo del governo
200. discorso di Mussolini agli italiani
201. le truppe italiane si imbarcano per la l'Etiopia,
202. il Negus parla alla Società delle nazioni, e riceve fischi dai fascisti
203. 2 ° parte
204. Mussolini comunica l'ingresso delle truppe italiane comandate da Badoglio ad Addis Abeba (5 maggio)
205. distruzioni e incendi ad Addis Abeba
206. etiopi accolgono le truppe italiane
207. Spagna: una pomposa e solenne cerimonia religiosa
208. alcuni momenti di una corrida
209. folla acclama in piazza il governo repubblicano eletto nel 1936
210. cittadini repubblicani arruolati contro Franco e i falangisti
211. scene della guerra di Spagna
212. Francisco Franco tra la folla con un suo seguito di militari falangisti
213. aerei dell'aviazione militare tedesca sul cielo di Spagna
214. civili sotto i bombardamenti
215. nazisti decidono il bombardamento di Guernica; le bombe vengono sganciate sulla città
216. scene di dolore, orrore e disperazione montate con concitazione e mischiate con scene di diversa natura e provenienza; bestie al macello, volti di nazisti e altro, titoli di giornali tedeschi
217. crollo di monumenti e palazzi, recupero di bambini vittime del bombardamento
218. pianti, funerali, bare per le strade di Guernica
219. partenza di volontari delle Brigate Internazionali
220. Dolores Ibarruri fa un discorso
221. scene di guerriglia e guerra civile
222. cadaveri di guerriglieri accatastati
223. esodo dei superstiti fuori dalla Spagna
224. Franco incontra Hitler
225. Hitler incontra Mussolini
226. due volti ai raggi x mentre conversano
227. Mussolini parla dal balcone di piazza Venezia
228. parate di eserciti pronti per la guerra
229. parate naziste
230. il capo del governo francese e inglese
231. Goering di fronte alla platea dei nazisti invoca la guerra totale
232. Hitler durnate un discorso ai tedeschi
233. bombe su Londra Amsterdam e Varsavia
234. bombe tedesche su Pearl Harbour
235. lo sbarco alleato in Normandia: navi avanzano via mare, l'aviazione dall'alto bombarda e lancia paracadutisti
236. Jwo Jima: truppe americane sventolano la bandiera americana in segno di vittoria
237. scene di esecuzione e torture da parte dei militari nazisti
238. morti sui diversi campi di battaglia
239. parenti piangono sui cadaveri di congiunti sepolti nella neve
240. soldati nazisti chiudono i portelloni di un carro bestiame dove sono deportati ebrei
241. scene dai campi di concentramento
242. fotografia di Himmler
243. foto di deportati
244. i deportati nudi verso le camere a gas
245. mucchi di cadaveri dei deportati nei campi di concentramento
246. forni crematori con resti umani
247. cadaveri, mucchi di oggetti dei morti (scarpe dentiere, occhiali, capelli e altro)
248. il campo di Bergen Belsen. cadaveri accatastati
249. nazisti dichiarano le loro generalità alle truppe alleate che entrano nel campo
250. donne naziste in fila davanti agli orrori scoperti dagli americani
251. un soldato americano piange
252. bambini in lacrime; volti scuri delle popolazioni invase dalle truppe naziste
253. scorrono in sovrimpressione versi del poeta Paul Eluard
254. scene di addii e di guerra
255. scene di guerra tra brigate partigiane e nazisti, partigiani uccisi dai nazisti
256. scene di guerra nelle città italiane contro i nazisti
257. partigiani fanno prigionieri e fucilano collaborazionisti
258. donne collaborazioniste subiscono il taglio dei capelli
259. fucilazione di un nazista
260. impiccagioni
261. si bruciano le fotografie di Hitler e la bandiera nazista
262. scene di militari tedeschi che si consegnano ai vincitori
263. campi di prigionia e reduci dall'Unione Sovietica
264. reduci mal vestiti e affranti avanzano nella neve
265. scene di città distrutte dai bombardamenti: Berlino e altre
266. donne tra le macerie fumanti recuperano poche alcuni oggetti
267. Churchill, Roosevelt e Stalin parlano tra loro durante la Conferenza di Jalta
268. ragazzi giocano a pallone con una bomba
269. fotografia di Einstein
270. lo scienziato osserva al telescopio
271. scissioni nucleari mostrate al microscopio
272. 5 agosto 1945, scoppio della bomba ad Hiroshima
273. il pauroso fungo in cielo
274. la città distrutta dallo scoppio
275. alcuni sopravvissuti
276. Hirohito si consegna agli americani
277. discorso del generale Mc Arthur in occasione della resa giapponese e della firma delle condizioni da parte di Hirohito
278. immagini di masse di uomini al lavoro
279. la boma atomica deflagra in cielo
280. Marylin Monroe si esibisce
281. scene dell'esodo di ebrei verso la Palestina
282. 1956, Kruscev parla al XX Congresso sovietico
283. Berlino est: manifestazioni di protesta contro il regime sovietico
284. repressioni della polizia sovietica
285. i carri armati sovietici a Budapest
286. papa Giovanni XXIII indice il concilio ecumenico
287. Africa, donne e uomini al lavoro sotto i governi coloniali euroepi
288. danze tribali
289. Kenia, Mau Mau, rivoluzionari morti sul terreno degli scontri
290. processo ai rivoluzionari imprigionati
291. Palazzo dell'ONU durante una riunione
292. varo di un aereo: inutilmene la madrina e un militare tentano di rompere la bottiglia sul muso dell'aereo, ad indicare l'inutile rieptersi di atti di forza destinatia fallire contro l'inarrestabile marcia dei popoli verso la libertà
293. truppe contro i ribelli del Congo
294. Lumumba prigioniero dei militari viene schernito da un soldato
295. Cuba: Fidel Castro tra i suoi rioluzionari
296. Stati Uniti: scene di manifestazioni popolari
297. festeggiamenti per l'insediameno di Kennedy alla Casa Bianca
298. scorrono parole di Kennedy in sovrimpressione su una sua fotografia
299. partenza di un missile nello spazio
300. navicella in orbita verso la luna
301. cellule al microscopio